Musica da brividi (seconda parte)

Nella puntata precedente di “Musica da brividi” (che potete recuperare e leggere qui) abbiamo parlato di tre macabri episodi di cronaca, conclusisi in tribunale. Oggi, invece, concludiamo con tre vicende altrettanto inquietanti, sempre legate al mondo della musica e che tuttavia restano inspiegabili. Perché, se siete qui in cerca di una risposta, ricordate che la musica è sempre la risposta. (English version below)

La ballata di Rino

A parte Gesù che conosceva in anticipo i dettagli della sua morte, non esistono persone al mondo che abbiano profetizzato in maniera dettagliata il modo in cui sarebbero decedute. Questo però non vale per Rino Gaetano. Il cantautore italiano avrebbe scritto, intorno agli anni 70, una canzone che ha anticipato di un decennio il suo tragico destino. La ballata di Renzo è la seconda e definitiva versione di Quando Renzo morì io ero al bar. Dal testo -che è stato leggermente modificato rispetto alla prima versione- un certo Renzo viene investito da un conducente di una Ferrari; questi lo carica in auto in fin di vita e lo porta in tre ospedali di Roma (Il Policlinico, il San Camillo e il San Giovanni). Per varie motivazioni non viene accolto da nessuno e muore senza poter ricevere cure. Ma anche da morto Renzo non può essere seppellito, perché nemmeno al Verano (il cimitero di Roma) c’è posto per lui. Si tratta solo di una canzone che denuncia la malasanità, ma nel giugno del 1981 Rino è a bordo della sua Volvo 343. E’ notte e corre per le strade di Roma. Sulla Nomentana, però, perde il controllo del veicolo e si schianta contro un camion. La macchina ne esce completamente distrutta e anche lui è in fin di vita. Viene soccorso dall’ambulanza dei Vigili del Fuoco (che non è attrezzata per emergenze simili) e trasportato in ben 5 ospedali (tra cui il Policlinico, il San Camillo e il San Giovanni, come nella canzone di Renzo). Per diversi motivi nessuno di questi può accogliere Rino, il quale muore stremato dopo ore di agonia. Al momento della sepoltura il cantautore viene rifiutato anche dal cimitero del Verano, perché non ci sono posti disponibili. La triste profezia è del tutto compiuta e solo in un secondo momento la salma di Rino verrà spostata lì, grazie soprattutto all’intervento dei fan e dei familiari.

Nozze d’argento nella casa stregata

25 anni di carriera quest’ anno per i Foo Fighters, che hanno da poco terminato le registrazioni del loro decimo album. In una recente intervista a Rolling Stone Dave Grohl ha dichiarato che questo sarà un album decisamente fuori dal normale. O paranormale. Per la realizzazione del progetto, infatti, la band ha scelto di trasferirsi a Encino, in un’abitazione privata degli anni 40 nella San Fernando Valley, California. Fin qui nulla di strano. Se non fosse che la casa in questione si è rivelata da subito strana:-L’atmosfera che si respirava in casa era spenta ma il suono era pazzesco. Non è passato molto tempo prima che iniziassero a capitare delle cose strane. Dopo un’intera giornata di registrazione, ci siamo accorti che le tracce di chitarre erano completamente assenti- ha dichiarato Dave. Il leader dei Foo Fighters ha anche parlato di suoni inquietanti registrati a microfono aperto, chitarre scordate e intere canzoni sparite dai nastri. Dopo qualche giorno, grazie a un baby monitor, la band ha scoperto che nella casa di Encino avvenivano davvero fatti inspiegabili. Il problema è che Dave e compagni hanno dovuto sottoscrivere un accordo di non divulgazione del materiale, perché il proprietario sta ancora cercando di vendere la proprietà. Di conseguenza non sapremo mai se questa storia sia vera o falsa. Quel che è certo, è che la band ha cercato di terminare le registrazioni dell’album il più in fretta possibile (paura?) e che siamo tutti in trepidante attesa per l’uscita del nuovo disco, di cui ancora non si conosce la data di pubblicazione.

Lo spartito del diavolo

Questa è una storia in cui ci sono tutti gli elementi di un racconto dell’ orrore: ci sono le streghe, c’è un cimitero, ci sono i monaci cistercensi e c’è il diavolo che ci lascia lo zampino. Questa storia è una leggenda, ma come tutte le leggende ha un fondo di verità, testimoniato da diari personali tuttora conservati e da un affresco, sul quale è tracciato uno spartito musicale fuori dal comune. Questa storia si svolge nei pressi di Vercelli, precisamente a Lucedio. E’ il 1689 e nel cimitero di Darola le streghe celebrano un sabba in onore del diavolo. La leggenda narra che durante la celebrazione il diavolo arrivi per davvero e si impossessi dei monaci cistercensi che da quel momento iniziano a celebrare messe nere, dedicandosi a torturare e seviziare le novizie all’interno dell’ abbazia di Santa Maria di Lucedio. Passano circa 100 anni da quell’evento e finalmente un esorcista riesce a liberare l’abbazia dall’influsso demoniaco. Imprigiona il maligno nella cripta sottostante componendo una melodia come sigillo. Lo spartito si perde nel nulla, ma nel 1999 l’archeologo Luigi Bavagnoli lo ritrova casualmente nella chiesa sconsacrata di Santa Maria delle Vigne. L’affresco è posto all’ingresso della chiesa barocca e Bavagnoli lo fotografa senza prestarci molta attenzione, dimenticandolo in un cassetto. Qualche anno dopo scopre la leggenda di Lucedio e capisce che la sua è una scoperta importantissima: contatta una musicologa specializzata in musica liturgica e insieme scoprono che quel pentagramma è proprio il leggendario spartito, che ha la particolarità di essere bifronte. Infatti può essere letto in entrambi i versi e la leggenda narra che se suonato nel verso contrario (cioè da destra a sinistra e dal basso verso l’alto) la melodia prodotta può essere in grado di liberare il demone dalla sua prigionia. Ma non solo: gli studiosi decidono di sostituire le note con le lettere e scoprono che in quella melodia sono racchiuse tre parole: Dio, fede e abbazia. Ma ovviamente questa è solo una leggenda, una storia suggestiva da raccontare al buio, seduti davanti al fuoco di un camino, durante una gelida notte d’inverno.

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

Creepy Music (part two)

In the previous episode of “Creepy Music” (which you can retrieve and read here) we talked about three macabre episodes, which ended in court. Today, instead, we conclude with three equally disturbing episodes, always linked to the world of music, which however remain inexplicable. Because if you are here looking for an answer, remember that music is always the answer.

The Ballad of Rino

Except for Jesus who knew in advance the details of his death, there are no people in the world who have prophesied in detail how they would have died. But this doesn’t apply to Rino Gaetano. The Italian singer-songwriter would have written, around the 70s, a song that anticipated his tragic fate by a decade. La ballata di Renzo (The Ballad of Renzo) is the second and definitive version of Quando Renzo morì io ero al bar (When Renzo died I was at the bar). From the text – which has been slightly modified compared to the first version – a certain Renzo is run over by a driver of a Ferrari; he loads him into his dying car and takes him to three hospitals in Rome ( Policlinico, San Camillo and San Giovanni). For various reasons it isn’t accepted by anyone and dies without being able to receive treatment. But even when he is dead, Renzo can’t be buried, because even at Verano (the cemetery in Rome) there is no place for him. It’s only a song that denounces medical malpractice, but in June 1981 Rino is aboard his Volvo 343. It’s night and he runs through the streets of Rome. On the Nomentana street, however, he loses control of the car and crashes into a truck. The car comes out completely destroyed and he too is dying. He is rescued by the ambulance of the Fire Brigade (which is not equipped for similar emergencies) and transported to 5 hospitals (including the Policlinico, San Camillo and San Giovanni, as in Renzo’s song). For various reasons none of these can accept Rino, who dies exhausted after hours of agony. At the time of the burial, the singer-songwriter is also rejected by the Verano cemetery, because there are no places available. The sad prophecy is completely fulfilled and only later will Rino’s body be moved there, thanks above all to the intervention of fans and family members.

Silver Anniversary in the Haunted House

This year the Foo Fighters celebrate their 25 years of career and they have just finished recording their tenth album. In a recent interview to Rolling Stone, Dave Grohl said that this will be a decidedly unusual album. Or paranormal. In fact, for the realization of the project, the band has chosen to move to Encino, in a private home from the 1940s in the San Fernando Valley, California. So far, nothing strange. Except that the house in question was immediately strange: –The atmosphere that was breathed in the house was turned off, but the sound was crazy. It wasn’t long before weird things started to happen. After a whole day of recording, we realized that the guitar tracks were completely absent – said Dave. The leader of the Foo Fighters has also spoken of disturbing sounds recorded with an open microphone, of forgotten guitars and entire songs disappeared from the tapes. After a few days, thanks to a baby monitor, the band discovered that inexplicable events were taking place in the Encino house. But Dave and his band have had to sign a non-disclosure agreement, because the owner is still trying to sell the property. Consequently we will never know if this story is true or false. What is certain is that the band tried to end the album recordings as quickly as possible (fear?) and that we are all anxiously waiting for the release of the new album, whose date of publication is still unknown.

The Devil’s Musical Score

This is a story where there are all the elements of a horror story: there are witches, there is a cemetery, there are Cistercian monks and there is the Devil. This story is a legend, but like all legends it has a background of truth, testified by personal diaries still preserved and by a fresco, on which an unusual musical score is traced. This story takes place near Vercelli, precisely in Lucedio. In the 1689, in the cemetery of Darola, the witches celebrate a sabbath in honor of the devil. The legend tells that during the celebration, the devil really arrives and takes possession of the Cistercian monks who from that moment they start celebrating black masses and torturing the novices inside the Saint Maria of Lucedio’ s Abbey. After 100 years, finally an exorcist manages to free the abbey from the demonic influence. He imprisons the evil one in the crypt below, composing a melody as a seal. The score was lost, but in 1999 the archaeologist Luigi Bavagnoli found it by chance in the deconsecrated church of Santa Maria delle Vigne. The fresco is placed at the entrance of the baroque church and Bavagnoli photographs it without attention, forgetting it in a drawer. A few years later he discovers the legend of Lucedio and realizes that his is a very important discovery: he contacts a musicologist specialized in liturgical music and together they discover that that pentagram is precisely the legendary score, which has the particularity of being two-faced. In fact, it can be read in both verses and, in according to the legend, if played in the opposite direction (from right to left and from bottom to top) the melody produced may be able to free the demon from his captivity. But not only: they decided to replace notes with letters and find three words are contained in that melody: God, Faith and Abbey. But this is only a legend, a suggestive story to tell in the dark, sitting in front of a fireplace, during a freezing winter night.

Did you like this article? Leave us a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram e Twitter.

Musica da brividi (prima parte)

Nel mondo della musica ci sono davvero tantissimi aneddoti da brivido, ma molto spesso si tratta di leggende metropolitane. In questo articolo parliamo invece di alcuni episodi cruenti che sono stati oggetto di cronaca. (English version below)

Helter Skelter e la follia di Charles Manson

In C’era una volta… a Hollywood Tarantino ha provato a immaginare un finale alternativo al massacro di Cielo Drive. Ma la finzione filmica non è altrettanto mostruosa quanto lo è stata la realtà. La notte tra il 9 e il 10 agosto 1969 la family di Charles Manson si introduce nella villa dei coniugi LaBianca e compie una strage. Tra le vittime c’è anche l’attrice Sharon Tate, moglie del regista Roman Polansky che ha appena girato un film sulla venuta al mondo dell’ anticristo, Rosemary’s Baby (e già qua…brividi). Sharon è anche incinta, ma questo non ferma la furia omicida dei killer che sgozzano e sventrano tutti, in preda a una follia delirante simile a una giostra vorticosa (Helter Skelter è il nome di un attrazione da Luna Park). La scritta campeggia sul frigorifero dei LaBianca ed è stata tracciata con il sangue delle vittime. Manson dichiarerà di aver ascoltato ossessivamente White Album dei Beatles e di aver compreso che in realtà il testo di Helter Skelter preannunci una profezia su un imminente scontro razziale, nel quale i neri avrebbero avuto la meglio sui bianchi.

I Led Zeppelin e Boleskine House

In Scozia, sulle rive del lago di Loch Ness, sorge una residenza misteriosa, Boleskine House. La villa era appartenuta a un famoso occultista, Edward Alexander, più conosciuto come Aleister Crowley, il fondatore del satanismo moderno. Pare che in quella casa Crowley abbia celebrato riti di magia nera e che abbia scritto numerosi libri di esoterismo sotto dettatura da parte dei demoni. Già questo avrebbe dovuto essere un monito per tenersi alla larga dalla “casa stregata”, ma evidentemente non era abbastanza per un grande seguace di Crowley come Jimmy Page, che nel 1970 decide di acquistare la tenuta per farne la propria dimora. Ebbene la storia dei Led Zeppelin sembra sottilmente legata alla villa in questione. Negli anni a seguire oltre al successo, infatti, non mancheranno i tour mondiali annullati a causa di strani incidenti e lutti. Tra gli episodi più inquietanti ce ne sono tre che meritano attenzione: nel 1977 Robert Plant, dopo essersi appena ripreso da un incidente mortale in macchina, avvenuto due anni prima, subisce anche la perdita del secondogenito Karac, morto a causa di un’infezione alle vie respiratorie. Plant scrive All of my Love e la dedica al bambino, scomparso a soli 5 anni. Nel 1978 i Led Zeppelin sono sconvolti dalla notizia della morte di Sandy Denny, la cantautrice folk inglese che aveva duettato con Plant nel brano The Battle of Evermore. In ultimo, nel 1980 la morte del batterista John Bonham (avvenuta proprio a Boleskine House) porta allo scioglimento definitivo del gruppo e Jimmy Page in tribunale. Il chitarrista era stato accusato di aver officiato un rito sacrificale davanti al corpo dell’ amico John. Page querela tutti e vince la causa, ma decide che è arrivato il momento di vendere la casa.

Vatican in flames

Schweigaards gate, 56 è l’indirizzo a Oslo di un famoso negozio di dischi, l’Helvete (l’inferno secondo la mitologia scandinava). In questo negozio, negli anni 90, prende piede il Black Metal Inner Circle, un circolo frequentato da vari musicisti della scena black metal scandinava. A fondarlo è Euronymous, chitarrista dei Mayhem, una delle personalità più carismatiche e inquietanti nell’ambiente metal. A frequentare il circolo ci sono dei veri e propri seguaci di Satana, che professano un satanismo vendicativo e anticristiano. I cristiani, secondo l’Inner Circle, sono visti come usurpatori dello spirito genuino della Scandinavia, che è pagana. Tra il 1992 e il 1996 in Norvegia prendono fuoco circa 50 chiese cristiane, tutte in legno, e non vengono risparmiati neanche i cimiteri, con la profanazione di circa 15 mila tombe, i cui arredi vengono portati all’ Helvete ed esposti come trofei. Le foto delle chiese fumanti finiscono addirittura sulle copertine dei dischi dei Mayhem e dei Burzum, e per 4 di questi roghi viene perseguito e condannato Varg Vikernes dei Burzum. Oltre ai roghi e alle profanazioni iniziano a emergere anche differenze sulle linee di condotta tra i vari gruppi metal. La linea di Euronymous è più dura, il satanismo è parte integrante dell’azione degli adepti dell’ Inner Circle. Euronymous non accetta compromessi e di conseguenza taglia fuori gli elementi scomodi. Agli atti vandalici si susseguono tentati omicidi, bombe e suicidi, come quello nel 1991 di Per Yngve Ohlin (detto Dead) cantante dei Mayhem. Tra i primi a giungere sul posto c’è proprio il suo “amico” Euronymous, il quale, ancora prima di chiamare i soccorsi, decide bene di scattare una foto al cadavere di Dead. La foto -modificata graficamente- finisce sulla copertina del bootleg Dawn of the Black Hearts. Ma chi la fa l’aspetti: nel 1993 Euronymous viene ucciso da Varg Vikernes. In seguito a un’ accesa discussione tra i due Varg, ferito da Euronymous, lo massacra e lo uccide utilizzando diversi coltelli dai quali non si separa mai. Dichiarerà di aver agito per legittima difes. Mors tua vita mea. Il tribunale non gli crede e finisce in galera, condannato a 21 anni di carcere, il massimo della pena in Norvegia. Dal 2009 è in libertà vigilata, continua a professare idee estreme ed è diventato padre di ben otto figli.

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

Creepy music (part one)

The world of the music is full of creepy anecdotes, but often they are only urban legends. In this article we tell, instead, about some bloody episodes that have been the subject of news.

Helter Skelter and Charles Manson’s madness

In Once Upon a Time… in Hollywood! Tarantino tried to imagine an alternative ending to the massacre of Cielo Drive. But film fiction isn’t nearly monstrous as reality has been. On the night between the 9th and 10th of August 1969, Charles Manson’s family broke into LaBianca residence, and carried out a massacre. Among the victims, there was also the actress Sharon Tate, Roman Polansky’s wife. The director has just shot a film, Rosemary’s Baby, about the born of the Antichrist (and already here… chills!). Sharon was also pregnant, but this didn’t stop the murderous fury of the killers, who slaughtered and disemboweled everyone, prey to a delusional madness similar to a whirlwind carousel (Helter Skelter is the name of an attraction from Luna Park). The writing stood out on the LaBianca refrigerator and was traced with the blood of the victims. Manson claims to have obsessively listened to the Beatles’ White Album and to have understood that in reality the text of Helter Skelter heralds a prophecy about an imminent racial confrontation, in which Blacks would have prevailed over Whites.

The Led Zeppelin and Boleskine House

In Scotland, on the shores of Loch Ness Lake, there is a mysterious residence, Boleskine House. The mansion belonged to a famous occultist, Edward Alexander, better known as Aleister Crowley, the founder of modern Satanism. It seems that Crowley celebrated dark magic rituals in that house and wrote many esoteric books under demoniac dictation. That should already have been a warning to stay away from the “haunted house”, but obviously it was not enough for a great follower of Crowley like Jimmy Page, who in 1970 decided to buy the estate to make it his home. Well, the history of Led Zeppelin seems subtly linked to Boleskine House. In the following years, in addition to success, in fact, there will be world tours canceled due to strange accidents and grief. Among the most disturbing episodes, three of them deserve attention: in 1977 Robert Plant, after having just recovered from a fatal car accident, which occurred two years earlier, also suffered the loss of his second son Karac, who died from a respiratory infection. Plant wrote All of my Love and dedicated it to his son, who passed away at the age of 5. In 1978 Led Zeppelin were shocked by the news of the death of Sandy Denny, the English folk songwriter, who had dueted with Plant in the song The Battle of Evermore. Finally, in 1980 the death of their drummer John Bonham (which took place in Boleskine House) leads to the definitive dissolution of the group and Jimmy Page to court. The guitarist had been accused of having performed a sacrificial ritual in front of the body of his friend John. Page sued everyone and won the case, but decided to sell the house.

Vatican in Flames

Schweigaards gate, 56 is the address of a famous record shop in Oslo, Helvete (the hell, according to Scandinavian mythology). In this shop, during the 90s, took hold the Black Metal Inner Circle, a club frequented by various musicians of the Scandinavian black metal scene. It was founded by Euronymous, guitarist of Mayhem, one of the most charismatic and disturbing personalities in the metal music environment. True Satan’s worshippers joined the club, who professed a vengeful and anti-Christian Satanism. Christians, according to Inner Circle members’ opinion, were seen as usurpers of the true Scandinavian spirit, which was pagan. Between 1992 and 1996, about 50 Christian churches were burnt in Norway, all made of wood, and neither cemeteries were spared, with the desecration of about 15 thousand tombs, whose furnishings were brought to Helvete and exhibited as trophies. The photos of the smoking churches even ended up on the covers of the Mayhem and Burzum records, and for 4 of these fires Varg Vikernes from Burzum is prosecuted and condemned. In addition to the bonfires and desecrations, differences also emerge on the lines of conduct between the various metal groups. Euronymous’s line is harder, Satanism is an integral part of the action of the Inner Circle adepts. Euronymous doesn’t accept compromises and consequently cuts out inconvenient elements. Vandalism is followed by attempted murders, bombs and suicides, such as the 1991 Mayhem singer Per Yngve Ohlin (called Dead). Among the first to arrive on the spot is his “friend” Euronymous, who, even before calling for help, decided well to take a photo of Dead’s corpse. The photo – graphically modified – ended up on the cover of the bootleg Dawn of the Black Hearts. But in 1993 Euronymous was killed by Varg Vikernes. Following a heated discussion between the two, Varg, injured by Euronymous, massacred and killed him using several knives from which he never separated. He will declare that he acted in legitimate defense. The court didn’t believe him and Vikernes ended up in jail, sentenced to 21 years in prison, the maximum sentence in Norway. Since 2009 he has been on probation, continues to profess extreme ideas and became father of eight children.

Did you like this article? Leave us a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram e Twitter.

5 cose che non sapevi su Eric Clapton!

English version below

Ieri, Eric Clapton, leggenda vivente del blues, ha compiuto 75 anni. Un compleanno importante! Festeggiamolo insieme, scoprendo 5 curiosità sul grande cantante e chitarrista che ha infiammato, ed ancora infiamma, la storia della musica.

1) Credeva di essere il fratello di sua madre

Non si tratta della trama di una soap di basso livello! È tutto vero: il piccolo Eric Clapton credeva che i nonni materni fossero i suoi genitori, e che sua madre, Patricia Molly, fosse sua sorella. La donna aveva partorito Eric all’età di sedici anni, ed il padre era un soldato canadese che fece ritorno in patria prima della nascita del bambino. Patricia Molly si trasferì in Germania quando sposò un altro soldato, ed Eric rimase coi nonni a Ripley, nel Surrey (UK).

2) Ha avuto un figlio con la modella italiana Lory Del Santo

Lory Del Santo, fiera icona del trash italiano, che ha raggiunto un enorme pubblico nell’ultima decade soprattutto grazie alla produzione della web-series The Lady, è stata una compagna di Eric Clapton. I due hanno avuto un bimbo che purtroppo è venuto a mancare in tenera età. A lui, Clapton ha dedicato la canzone “Tears in Heaven”.

3) Il suo soprannome è Slowhand (it. “Mano lenta”)

Questo soprannome, ufficializzato come titolo di un suo album (1977), gli venne dato da Giorgio Gomelsky, manager degli Yardbirds, nel 1964. Pare che derivi dal fatto che, suonando molto velocemente, Eric era solito rompere la corda del Mi cantino durante i concerti. Secondo un’altra teoria, il soprannome sarebbe riferito al fatto che Clapton sia molto lento nel sostituire le corde della chitarra.

4) Fu un grande amico di Jimi Hendrix

Clapton ed Hendrix si conobbero al Central London Polytechnic, in Regent Street. Era il primo ottobre 1966. Jimi, al secolo James Marshall Hendrix, era un grande fan dei Cream e chiese di esibirsi sul palco con loro suonando Killing Floor. L’esibizione fu un successo.

Clapton si legò a quel giovane chitarrista e non perse mai occasione per suonare insieme a lui da quel momento in poi.

Dopo la sua morte, per onorarlo, Clapton aprì molti dei suoi concerti suonando Little Wing.

5) È l’unico chitarrista al mondo presente per 3 volte nella Rock’n’Roll Hall of Fame

Ebbene sì! Clapton appare per ben tre volte nella prestigiosa Rock’n’Roll Hall of Fame, l’ultima è recentissima e risale al 6 marzo 2020, vinta in qualità di artista solista. Gli altri inserimenti risalgono al 1992, in qualità di membro degli Yardbirds e l’altra in qualità di fondatore dei Cream.

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

5 things you didn’t know about Eric Clapton!

Yesterday, the living legend of Blues Eric Clapton turned 75. A very important birthday! Let’s celebrate it together, finding out 5 curiosities about the great singer and guitarist who put history of music on fire, and still he does.

1) He believed he was his mother’s brother

This is not the plot of a poorly written soap opera! It’s all true: young Eric Clapton believed that his maternal grandparents were his parents, and that his mother, Patricia Molly Clapton, was his sister. She had given birth to Eric at the age of sixteen, and his father was a Canadian soldier who returned home before the birth of the boy. Patricia Molly moved to Germany when she married another Canadian soldier, and Eric stayed with his grandparents in Riley, Surrey (UK).

2) He had a son with Italian model Lory Del Santo

Lory Del Santo, proud icon of Italian trash, which has reached a huge audience in the last decade mainly thanks to the production of the web series The Lady, was a companion of Eric Clapton. The two even had a son, who sadly passed away at an early age, Clapton dedicated the song “Tears in Heaven” to his son.

3) His nickname is Slowhand

This nickname, made official as the title of one of his albums (1977), was given to him by Giorgio Gomelsky, manager of the Yardbirds, in 1964. It seems that it derives from the fact that, playing very quickly, Eric used to break the high-E string during the concerts. According to another theory, the nickname would refer to the fact that Clapton is very slow in replacing the guitar strings.

4) He was a close friend of Jimi Hendrix’s

Clapton and Hendrix met at Central London Polytechnic, on Regent Street. It was October 1^st 1966. Jimi, aka James Marshall Hendrix, was a huge Cream fan and asked to perform on stage with them playing Killing Floor. The performance was a success. Clapton bonded with that young guitarist and never missed an opportunity to play with him from then on.

After his death, to honor him, Clapton opened many of his concerts playing Little Wing.

5) He is the only guitarist in the world with 3 entries in the Rock’n’Roll Hall of Fame

Well yes! Clapton appears three times in the prestigious Rock’n’Roll Hall of Fame, the last one is very recent and dates back to March 6^th 2020, won as a solo artist. The other entries date back to 1992, as a member of the Yardbirds and the other as a founder of Cream.

Did you like this article? Leave us a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram e Twitter.

5 cose che non sapevi su George Benson

English version below

Domani sarà il 77° compleanno del grande chitarrista e cantante statunitense George Benson, e noi di Smells Like Queen Spirit vogliamo omaggiarlo con questo articolo! Ecco a voi cinque cose che forse non conoscevate su di lui.

1. Ha scritto The Greatest Love Of All

Ebbene sì! Portato al successo dalla magnifica Whitney Houston solo in un secondo momento, The Greatest Love Of All è in realtà firmato da George Benson. Il brano, col testo pieno di speranza e positività, fu scritto per il film The Greatest, con Muhammad Ali, tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80.

2. Ha un patrimonio stellare

Ad oggi, il patrimonio netto di George Benson equivale alla cifra di 5 milioni di dollari. Il musicista ha iniziato ad esibirsi professionalmente dall’età di 21 anni, e da allora non si è mai fermato.

3. Ha vinto 10 Grammy Awards

Durante tutta la sua carriera, Benson ha collezionato ben 10 Grammy Awards. I primi due nel 1976, con This Masquerade premiata come Miglior Canzone dell’Anno e l’album Breezin’ per la Migliore Perfomance Strumentale Pop. Gli ultimi Grammys due sono stati vinti nel 2006, al fianco di Al Jarreau, per la Migliore Performance Vocale R&B Tradizionale con il brano God Bless The Child e per la Migliore Perfomance Pop Strumentale con Mornin’.

4. Ha 7 figli ed è Testimone di Geova

Eh già! Il grande chitarrista è sposato dal 1965, anno d’inizio della sua carriera, con Johnnie Lee. La coppia ha in tutto 7 figli. Dal 1979 è diventato Testimone di Geova, ed è molto religioso.

5. The Other Side Of Abbey Road

Benson è un appassionato fan dei Beatles, e in loro onore ha pubblicato l’album The Other Side Of Abbey Road nel 1970, in cui ha ri-arrangiato in chiave jazz le tracce di Abbey Road.

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

5 things you didn’t know about George Benson

Tomorrow will be the 77^th birthday of the great guitarist and singer George Benson, and we from Smells Like Queen Spirit want to celebrate him with this article! Here you are five things that maybe you didn’t know about him.

1. He wrote The Greatest Love Of All

He did! Albeit the song was brought to success by the amazing Whitney Houston at a later time, The Greatest Love Of All was written by George Benson. The song, whose lyrics are full of hope and positivity, was written for the movie The Greatest, with Muhammed Ali, between the late ’70s and the early ’80s.

2. He has a stellar net worth

At present, George Benson has a net worth of $ 5 million. The musician started his professional career at the age of 21, keeping playing even since.

3. He won 10 Grammy Awards

During his whole career, Benson won 10 Grammy Awards. The first two in 1976, with This Masquerade for the Record of the Year prize and the album Breezin’ for the Best Pop Instrumental Performance Price. The last two Grammys have been won in 2006, with Al Jarreau by his side, for the Best Traditional R&B Vocal Performance and the Best Pop Instrumental Performance

4. He has 7 children and he is a Jehovah’s Witness

Yes! The great guitarist has been married since 1965, the year in which he started his career, with Johnnie Lee. The couple has 7 children. He’s also serving as one of Jehovah’s Witnessess since 1979, and he’s very religious.

5. The Other Side Of Abbey Road

Benson is a great Beatles fan, and to celebrate them he has published in 1970 the album The Other Side Of Abbey Road, in which he has re-arranged the tracks of Abbey Road in a jazz key.

Did you like this article? Leave us a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram e Twitter.

SLQS consiglia: dischi stranieri da ascoltare in quarantena

Si sa, sono tempi duri per tutti noi. Preoccupazione, giornate che non sembrano finire mai, impossibilità nello stabilire quando tutto questo sarà finito e tanta incertezza su quello che ci aspetta dopo. Noi ragazze di Smells Like Queen Spirit Mag stiamo facendo del nostro meglio per impiegare almeno un po’ del nostro tempo libero in maniera costruttiva e per rimanere positive.
Uno dei vantaggi dello stare in casa è senza dubbio avere più tempo per scoprire nuova musica e per riascoltare i nostri album preferiti. Ognuna di noi ne ha selezionati cinque tra quelli che abbiamo riascoltato in questi giorni.


Amalia

• Ella Fitzgerald & Louis Armstrong, Ella and Louis (1956)
• Led Zeppelin, Led Zeppelin IV (1971)
• Damien Rice, O (2002)
• Paolo Nutini, Sunny Side up (2009)
• Kings of Leon, Come Around Sundown (2010)

Marika

• Elton John, Elton John (1970)
• Dire Straits, Making Movies (1980)
• Amy Winehouse, Frank (2003)
• Placebo, Covers (2003)
• Lenny Kravitz, Baptism (2004)

Patrizia

• The Beatles, White Album (1968)
• The Rolling Stones, Black and Blue (1976)
• Peter Frampton, Frampton Comes Alive! (1976)
• Clash, London Calling (1979)
• Nirvana, Nevermind (1991)

La prossima settimana vedremo invece i dischi italiani da ascoltare in quarantena. Godetevi la musica, ma soprattutto state a casa!

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

SLQS suggests: records to listen to while you’re quarantining

We all know, we are going through some good hard times. Concern, days that seem never-ending, the fact that no one knows when this is going to end and a lot of uncertainty about what will happen after it will be over. We, the girls of Smells Like Queen Spirit Mag, are doing our best to use at least a bit of our free time in a constructive way and to stay positive.
One of the advantages of staying home is undeniably the fact that we have more time to discover new music and to listen to our favorite records. Each of us has selected five, among the ones we have been listening to these days.


Amalia

• Ella Fitzgerald & Louis Armstrong, Ella and Louis (1956)
• Led Zeppelin, Led Zeppelin IV (1971)
• Damien Rice, O (2002)
• Paolo Nutini, Sunny Side up (2009)
• Kings of Leon, Come Around Sundown (2010)

Marika

• Elton John, Elton John (1970)
• Dire Straits, Making Movies (1980)
• Amy Winehouse, Frank (2003)
• Placebo, Covers (2003)
• Lenny Kravitz, Baptism (2004)

Patrizia

• The Beatles, White Album (1968)
• The Rolling Stones, Black and Blue (1976)
• Peter Frampton, Frampton Comes Alive! (1976)
• Clash, London Calling (1979)
• Nirvana, Nevermind (1991)

Enjoy music and, above all, stay home!

Did you like this article? Leave us a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram e Twitter.

5 dischi prodotti da Quincy Jones

*English version below*

Quincy Jones è forse il più famoso e grande produttore musicale di tutti i tempi. Musicista, arrangiatore e compositore, ma anche scopritore di talenti. Vediamo insieme 5 album che il re della black music ha portato al successo e alle vette delle classifiche discografihe mondiali

1) Off The Wall – Michael Jackson

Molti lo riconoscono come primo vero e proprio album da solista di Michael Jackson, di certo il primo dopo aver compiuto 21 anni, la soglia della maggiore età negli Stati Uniti.

Viene pubblicato il 10 agosto 1979 dall’etichetta Epic Records. Grazie ad Off The Wall, Jackson vinse il suo primo Grammy Award come cantante solista (premio per la migliore interpretazione R’n’B, con la canzone Don’t stop ‘til you get enough).

2) Thriller – Michael Jackson

Thriller è l’album più venduto nella storia della musica. Rolling Stones lo ha inserito al 20° posto nella lista dei 500 album migliori di tutti i tempi. Vincitore di 8 Grammy Awards nel 1984, rendendo Jackson il primo artista al mondo a vincere 8 premi nella stessa serata. Tutti i singoli estratti da Thriller finirono nella Top 10 della classifica Billboard Hot 100. Tra i brani più famosi: Wanna Be Startin’ Something, Thriller, Beat it e Billie Jean. Fu pubblicato il 30 novembre del 1982.

3) Bad – Michael Jackson

31 agosto 1987. Terzo ed ultimo album scritto in collaborazione con Quincy Jones. Fu l’album che consacrò il cantante al titolo che non perse mai più di Re del Pop. Su 11 tracce, ben 5 finirono in cima alla classifica Billboard Hot 100: Bad, The Way You Make Me Feel, Man in the Mirror, I just can’t stop loving you, Dirty Diana.

4) Donna Summer – Donna Summer

Jones produsse il decimo album in studio della cantante statunitense Donna Summer. Fu pubblicato il 19 luglio 1982 dall’etichetta Geffen, e diventò Disco D’Oro negli Stati Uniti, superando le 500.000 copie vendute.

Tra i brani più noti contenuti in Donna Summer: Love is in control, The woman in me, Livin’ in America.

5) We are The World – USA for Africa (Singolo)

Il 7 marzo del 1985 fu rilasciato un singolo della durata di 7 minuti e 10 secondi. Il titolo era We Are The World. Jones aveva radunato i più importanti artisti sulla scena musicale pop statunitense, e il nome scelto per presentare gli artisti fu USA, la sigla non indicava la nazionalità dei cantanti, ma era un acronimo per United Support Artists. Tutti i proventi (più di 100 milioni di dollari) furono devoluti alla popolazione etiope, in quel periodo colpita da una tremenda carestia. Negli anni ’80 divenne il brano più venduto nella storia della musica.

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

5 albums produced by Quincy Jones

Quincy Jones is the greatest and most famous music producer of all times. Musician, arranger and composer, but also talent scout. Here we have 5 albums that the King of Black Music brought to success and on the top of the world rankings.

1) Off The Wall – Michael Jackson

Many recognize it as Michael Jackson’s first true solo album, certainly it’s his first one after turning 21 (when Jackson became legally adult).The album was published on August 10th 1979 by Epic Records label. Thanks to Off The Wall, Jackson won his first Grammy Award as a solo singer (best R’n’B performance, with Don’t stop ‘til you get enough).

2) Thriller – Michael Jackson

Thriller is the best-selling album in the whole history of Musica. Rolling Stones classified it as the 20th in the 500 best albums list. It won 8 Grammy Awards in 1984, making Jackson the first artist in the world who won 8 awards during the same night. All the singles from Thriller went in the Top 10 of the chart Billboard Hot 100. Some of the most famous tracks: Wanna Be Startin’ Something, Thriller, Beat it e Billie Jean. Thriller was published on November 30th 1982.

3) Bad – Michael Jackson

August 31st 1987. Third and last album writted and produced by Quincy Jones. This was the album which gave Jackson the title of King of Pop. 5 out 11 tracks went on the top of Billboard Hot 100 chart: Bad, The Way You Make Me Feel, Man in the Mirror, I just can’t stop loving you, Dirty Diana.

4) Donna Summer – Donna Summer

Jones produced the 10th studio album of the American singer Donna Summer. It was published on July 19th 1982 by Geffen label. It became a Gold Record in the USA, with more than 500.000 copies sold.

Some of the most famous tracks in Donna Summer: Love is in control, The woman in me, Livin’ in America.

5) We are The World – USA for Africa (Singolo)

On March 7th 1985, a 7:10 minutes of lenght single was published. Its title We Are The World. Jones gathered the most important American pop artists under the name USA, which did not indicate the country of all the artists, but the name United Support Artists. All proceeds (more than 100 billion dollars) were donated to Ethiopian people, at time suffering from a terrible famine. During the ’80, We Are The World became the best-selling single in the history of Music.

Did you like this article? Leave us a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram e Twitter.

‘Father of All…’. Il nuovo album dei Green Day ci riporta nel 2004

Uscito lo scorso 7 febbraio, Father of All Motherf*****s (anche conosciuto con il titolo censurato Father of All…) è il tredicesimo album in studio dei Green Day, definito ‘very high energy’ dal frontman della band Billie Joe Armstrong in un’intervista rilasciata a Billboard.

La copertina dell’album ritrae una mano che stringe una granata: è la stessa immagine della copertina di American Idiot, lo straordinario disco del 2004 che ebbe un effetto devastante sulla ragazzina che ero all’epoca – riuscendo infatti a influenzare gran parte dei gusti musicali e delle idee sulla musica che ho ancora oggi. Cosa avrà Father of All… a che fare con American Idiot? E’ possibile che il nuovo disco riprenda a raccontarci la storia che si è interrotta con la nona traccia di American Idiot? C’è speranza di rincontrare St. Jimmy, Whatsername e il Gesù dei sobborghi?

In Father of All… non incontriamo nessun volto familiare ma è chiaro che con certe linee di basso, certe atmosfere e certe tematiche i Green Day abbiano cercato disperatamente di riportarci al lontano 2004 (e in alcuni casi anche agli anni precedenti). Ma vediamo i brani nel dettaglio.

La prima traccia Father of All… è il singolo che nel settembre 2019 ha anticipato l’album. Un pezzo punk in your face cantato in falsetto che ti fa venire voglia di alzarti dalla sedia (è uno dei miei pezzi preferiti quando ho il leg day in palestra). La traccia numero due Fire, Ready, Aim è stata utilizzata per l’apertura della National Hockey League. La frase ‘Ready, Aim, Fire’ è usata come indicazione per i soldati su come usare le armi da fuoco ma il problema, scrivono i Green Day nella descrizione del videoclip della canzone su Youtube, è che nella società di oggi si attacca senza prima pensare. Il tema della critica alla società americana che era iniziato in Warning e che era diventato il fulcro di American Idiot si insinua quindi anche in questo album.

La terza canzone, Oh Yeah! prende titolo e ritornello da Do you wanna touch me? (Oh yeah) di Gary Glitters. Stavolta la critica è rivolta alla società tenuta in pugno dai social media (Everybody is a star\ Got my money and I’m feeling kinda low) e dai problemi legati al sistema scolastico e alla detenzione di armi (I’m just a face in the crowd of spectators\ To the sound of the voice of a traitor \ Dirty looks and I’m looking for a payback\ Burning books in a bulletproof backpack). L’atmosfera si fa più leggera e allegra in Meet me on the roof, brano in cui Billie Joe ritorna adolescente sfigato che ha paura di fare la prima mossa con la ragazza che gli piace. Anche nella traccia successiva, I was a teenage teenager, Billie Joe canta dei sentimenti di odio e inadeguatezza della propria adolescenza (I was a teenage teenager full of piss and vinegar \ Living like a prisoner for haters\ I was a teenage teenager, I am an alien visitor \ My life’s a mess and school is just for suckers), sentimenti che erano stati al centro di album come Dookie e Nimrod.

La settima traccia, Stab you in the heart, è una vera sorpresa ma non ho ancora ben chiaro se è bella o brutta. Si tratta di un pezzo incazzato e rockabilly in cui i Green Day giocano a fare i Beatles e vi assicuro che non riesco a descriverla meglio (ascoltare per credere). Il nono brano, Sugar Youth, ricorda terribilmente il brano She’s a rebel di American Idiot e somiglia vagamente anche a Letterbomb. Ancora una volta Billie Joe si trasforma nell’adolescente senza speranze dei primi album (Like a high school loser \That will never ever, ever, ever fuck the prom queen). Arriviamo finalmente a Junkies on a High, la mia preferita di tutto l’album. E’ un brano dark sul tema della distruzione di sè, un brano che ti rimane nella testa e che francamente c’entra poco con il resto dell’album. La linea di basso è quasi identica a quella di Boulevard of Broken Dreams. La traccia numero undici è Take my money and crawl, un brano innegabilmente catchy e in puro stile Green Day ma che non mi dice molto. Chiude Graffitia, la canzone più impegnata dell’album e più spiccatamente politica sulla situazione di declino nelle città della Rust Belt dovuto alla chiusura delle fabbriche, la questione razziale e la violenza che ne deriva.

Cosa penso di Father of All…? L’energia c’è, ma è un album che corre troppo, arraffa, comprime. Sembra voler dire molto, ma di fatto dice poco. Sembra provare a dirci qualcosa di nuovo, ma quello che sentiamo in fondo lo sappiamo già. E’ un album breve fatto di cose già viste, troppo lontano dal monumentale American Idiot, del quale non può per altro assolutamente essere considerato l’erede o il sequel.

E’ chiaro che la band abbia tentato di racchiudere in questi 26 minuti tutto quello che i Green Day sono stati in American Idiot e prima, ma finisce per mettere insieme una serie di cliché spesso mal amalgamati tra loro, uniti a qualche tentativo di innovazione non perfettamente riuscito. Resta comunque un album piacevole da ascoltare, in cui la band rimane riconoscibile per noi fan che li abbiamo ascoltati e amati a cavallo tra il nuovo e il vecchio millennio.

E voi l’avete ascoltato?

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

‘Father of All…’. The new Green Day album takes us back to 2004

Released on February 7th, Father of All Motherf*****s (also known as Father of All…) is Green Day’s thirteenth studio album, described as ‘very high energy’ by frontman Billie Joe Armstrong during an interview with Billboard.

On the cover there’s a hand holding a grenade: it’s the same image that appears on the cover of American Idiot, the extraordinary 2004 record that had a huge impact on the little girl I was at that time – influencing a big part of my taste and my ideas about music. What does Father of All… have to do with American Idiot? Is it possible that this new record someway resumes the story that got interrupted in the ninth track of American Idiot? Can we hope to meet St. Jimmy, Whatsername and Jesus of Suburbia once again?

We meet no familiar faces in Father of All… but it is clear that Green Day has tried to bring us back to 2004 (and in some cases even back to the previous years) by choosing certain bass lines, certain atmospheres and certain themes.
Let’s have a close look at the tracks.

The first track, named Father of All…, is the single, released in september 2019, that anticipated the album. It’s a falsetto sung punk song in your face that makes you want to stand up (it’s my personal favourite when I have leg day at the gym). Track number two, Fire, Ready, Aim, has been used for the opening of the National Hockey League. The phrase ‘Ready, aim, fire’ is an instruction given to soldiers on how to use their weapons but the problem, writes Green Day in the video description on youtube, is that today’s society attacks without even thinking. The tale of criticism towards the American society that had started in Warning and that had been at the core of American Idiot is also present in this album.

The third song, Oh Yeah! samples the refrain from Gary Glitters’ Do you wanna touch me? (Oh yeah). The band criticizes the part of society that’s obsessed with social media (Everybody is a star\ Got my money and I’m feeling kinda low) and adresses the problems of the American school system and the consequences of gun detention (I’m just a face in the crowd of spectators\ To the sound of the voice of a traitor \ Dirty looks and I’m looking for a payback\ Burning books in a bulletproof backpack). The atmosphere gets lighter and happier in Meet me on the roof, a song in which Billie Joe gets back to the times when he was a teenage loser and felt anxious about asking the girl out. Also in the following track, I was a teenage teenager, Billie Joe sings about the feelings of hate and inadequacy of his own adolescence (I was a teenage teenager full of piss and vinegar \ Living like a prisoner for haters\ I was a teenage teenager, I am an alien visitor \ My life’s a mess and school is just for suckers), feelings that had been at the core of albums like Dookie and Nimrod.

The seventh track, Stab you in the Heart, is a true surprise, even though I still don’t know if it’s a good or a bad one. It’s an angry, rockabilly song in which Green Day pretend to be The Beatles – and I swear I could not describe it in a better way (listen and you’ll know). The ninth song, Sugar Youth, reminds me a lot of She’s a Rebel from American Idiot but it also sounds a lot like Letterbomb. Once again Billie Joe turns into the hopeless teenage boy of the first albums (Like a high school loser \That will never ever, ever, ever fuck the prom queen). We finally get to Junkies on a High, my favourite song of the entire album. It’s a dark song about self destruction, a song that gets stuck in your head and which, honestly, has nothing to do with the rest of the album. The bass line is almost identical to the one of Boulevard of Broken Dreams. Track number eleven is Take my money and crawl, an undeniably catchy and oh-so-Green-Day song that doesn’t add much to the album. The last song is Graffitia, the most political one of the album, about the situation of decline in the cities of the Rust Belt due the closing of the factories, but it also addresses the racial questions and the violence that derives from them.

What do I think about Father of All…? There is a lot of energy, but it’s an album that runs to much, sneaks and compresses. It sounds like it is trying to say a lot, but it ends up saying too little. It sounds like it is trying to say something new, but all we hear is something we already know. It’s a short album made of things we’ve already seen, too far from the monumental American Idiot of which it cannot be considered a sequel or a heir.

It is clear that the band has tried to enclose in these 26 minutes all that Green Day has been in American Idiot and before, but they end up putting together a series of cliches – often not mixed well at all – together with a couple of innovative attempts that haven’t really worked. Despite all of this, Father of All… is a nice record in which the band is still recognizable for us fans that have been loving them and listening to them between the old and the new millennium.

And you? Have you listened to it?

Did you like this post? Leave a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram and Twitter.

Rinascere a vent’anni: La Storia di Wes Montgomery

English version below.

1943. Un brano di Charlie Christian risuona nell’aria, mentre un giovane uomo danza con sua moglie tra le braccia.

È questo l’esatto momento in cui la sua vita viene completamente stravolta.

Sì, decide, comprerò una chitarra a sei corde ed imparerò a suonarla. Diventerò come lui.

E, la promessa che quella notte il diciannovenne Wes Montgomery fece a sé stesso, gli assicurò un posto eterno nel pantheon dei mostri sacri nel mondo del jazz.

Indianapolis. Il 6 marzo 1923 nasceva John Leslie Montgomery, che sin da bambino viene chiamato da tutti Wes.

Suo fratello Monk, dopo aver lavorato e risparmiato abbastanza, gli regalò una chitarra a quattro corde.

Monk era convinto che Wes avesse tutto il potenziale per diventare davvero bravo, ma all’inizio il piccolo Leslie si rivelò un chitarrista piuttosto mediocre.

Fu soltanto dopo aver ascoltato Charlie Christian per la prima volta che iniziò davvero a dedicare la sua vita alla musica. Acquistata una nuova chitarra, a sei corde questa volta, per un anno intero passò le notti e i giorni a studiare gli assoli e le linee chitarristiche di Christian, dimenticando tutto ciò che aveva imparato prima di allora.

Il sangue sulle dita non contava, né la stanchezza, né il dolore. Wes aveva adesso un solo obiettivo: diventare il migliore.

Era possibile? In fondo aveva già quasi vent’anni, e per giunta non aveva mai imparato a leggere uno spartito.

Non voleva neppure diventare un musicista, anzi.

E allora cosa lo spinse a continuare, senza mai arrendersi? Cosa lo alimentò, portandolo a sacrificare tutte quelle ore della sua vita disciplinandosi in maniera quasi cieca?

Fu un desiderio viscerale di riuscire a replicare su quelle corde ciò che lo aveva folgorato. Quella brama lo alimentò e lo mosse come solo le passioni più autentiche sanno fare.

Per evitare di disturbare il vicinato, presto abbandonò anche il plettro. Imparò così a suonare col pollice, e le sue mani col tempo, pizzicando le corde con dolcezza, crearono un suono più morbido e caldo, delineando lo stile inconfondibile che milioni di chitarristi nel futuro avrebbero provato ad imitare (suoi “discepoli artistici” sono, tra gli altri, George Benson, Larry Carlton, Pat Martino).

Il primo disco fu registrato con la Pacific Jazz, negli anni ’50. Cannonball Adderley, stregato dalla sua bravura, lo convinse a registrare con la Riverside, una delle più prestigiose etichette dell’epoca.

Il 1960 fu il suo anno: venne eletto Miglior Musicista Jazz Esordiente dalla rivista Down Beat e Billbord lo nominò Musicista Jazz Più Promettente Dell’Anno.

Il 1961 è l’anno che lo vide al fianco di John Coltrane sul palco del Monterey Jazz Festival.

Nel 1965 viene registrato lo storico album Smokin’ at the Half-Note, in quartetto con Wynton Kelly.

La stella del bebop morì improvvisamente nel 1968 a causa di un attacco cardiaco, durante le registrazioni del suo ventitreesimo album. Aveva 45 anni.

Wes Montgomery se ne andò lasciando una traccia indelebile nella storia del jazz.

Ma il suo fu anche un esempio di vita e di totale abnegazione, che da ogni parte gridava, e che ancora continua a gridare oggi e lo farà sempre. L’amore per la musica, quando è puro, quando è reale, può scardinare le convinzioni della società, anche se ormai sei adulto, e non te lo aspettavi, ma un fuoco sacro ti anima sin dal midollo ed incominci ad inseguire il tuo sogno a vent’anni. E tutto ad un tratto, sei diventato un dio.

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

Rebirth at 20: The Story of Wes Montgomery

1943. A Charlie Christian’s track is playing in the background, while a young man is dancing with his wife between his arms.
In this very moment, his life changes forever.
Yes, he decides, I will buy a six-string and I will learn how to play it. I will be good just like him.
And the promise that the 19-year-old Wes Montgomery he made with himself, assured him his own place on the Olympus of the great jazz musicians.

Indianapolis. John Leslie Montgomery was bornonMarch 6th 1923, everybody called him Wes.
His brother Monk, after working and saving enough money, gave him a four-string guitar. Monk believed that Wes could become a really good guitarist, but in the beginning young Leslie he wasn’t very good.

Only after having heard Charlie Christian for the first time, he dedicated his life to music. He bought a new guitar, a
six-string one this time, and he spent every night and day in nearly a year practicing and learning Christian’s guitar lines and solos, forgetting every thing he had learnt in the past.

The blood on his fingers, the fatigue, the pain didn’t matter. Wes had only one goal now: to become the best.

But was it possible? After all, he was about to turn 20, and he had never learnt how to read a music sheet.

And to be honest, he didn’t really want to become a musician in the first place.

So, what moved him, and gave him the strenght not to give up? What to spend all that hours sacrificing his own life for?
It was a visceral desire to replice on his own strings what he found himself fond on. That desire gave him power, such as only the real passions in life can do.

In order to avoid disturbing the neighborhood, he decided to leave the pick. Soon, he learnt how to play with his thumb, and his hands made a delicate and warm sound, developing his famous fringer picking technique, that millions of people tried and still are trying to emulate (among the others, George Benson, Larry Carlton, Pat Martino).

The first album was recorded with Pacific Jazz Records label in the 1950s. Cannonball Adderley, bewitched by his talent, convinced him to record something with Riverside Records, one of the most famous and prestigeous labels of the
time.

1960 was his year: he was elected The Best Jazz Newcomer by Down Beat magazine and Billbord named him The Most Promising Jazz Instrumentalist of the year.

In 1961 he played at the Monterey Jazz Festival, alongside with John Coltrane.

In 1965 was recorded the famous album Smokin’ at the Half-Note, in a quartet formation with Wynton Kelly.

The rising star of bebop died in 1968 due to a heart attack, while recording his 23rd album. He was 45 years old.

Wes Montgomery left an indelible mark in the history of jazz.

But his was also an example of life and total self-denial, which screamed from all sides, and which still continues to scream today and will always do so.

The love for music, when it is pure, when it is real, can undermine the convictions of society, even if you are an adult now,
and you did not expect it, but a sacred fire animates you right from the core and you begin to pursue your dream in your 20s. And all of a sudden, you find yourself being a god.

Did you like this article? Leave a comment and follow us on our social media. You find us on Facebook, Instagram e Twitter.

I concerti di Febbraio: Stereophonics, Liam Gallagher, Kaiser Chiefs

English version below.

E’ stato un mese breve, intenso, ma soprattutto pieno di musica live. Sono tre gli artisti che sono approdati qui nei Paesi Bassi e si tratta di tre artisti che hanno scritto le pagine migliori della musica rock inglese degli ultimi vent’anni. Non potevo assolutamente perdermeli!

1 Febbraio, AFAS Live (Amsterdam): Stereophonics, Kind Tour 2020
Il mio tour de force è cominciato il primo del mese con gli Stereophonics e la tappa del Kind Tour 2020 di Amsterdam. Kind è anche il nome del loro ultimo album in studio, uscito il 25 ottobre 2019 e anticipato in estate dai singoli Fly like an Eagle e Bust this town. Il concerto è stato aperto da Nadia Sheikh, voce pop e chitarre cattive, che non conoscevo ma che ho apprezzato (qui potete ascoltarla in Flip the Coin). Nonostante il tour si chiami Kind come l’ultimo disco della band, lo show non è per niente costruito intorno a questo disco. Anzi, gli Stereophonics non suonano che due pezzi da Kind che comunque, detto tra noi, è un progetto che poco regge il confronto con quelli precedenti (mi riferisco soprattutto Just Enough Education to Perform e Scream Above the Sounds, secondo me i migliori). In un AFAS strapieno e dall’acustica discutibile, il che causa problemi soprattutto nella prima parte del concerto, ripercorriamo la carriera della band del Galles cominciata ormai quasi trent’anni fa, attraverso hit come Maybe Tomorrow, Have a Nice Day, Mr. Writer e ovviamente Dakota. Tutti bravissimi, ma il frontman Kelly Jones è una spanna sopra tutto e tutti – perfetto, forse troppo. Il tour degli Stereophonics continua nei prossimi mesi in UK, Irlanda e Paesi Bassi. Qui potete trovare le date.

7 Febbraio, Ziggo Dome (Amsterdam): Liam Gallagher, European Tour 2019/2020
Dopo l’uscita dell’ultimo album in studio Why me? Why not nel settembre del 2019, Liam comincia la promozione del disco con una tournée in Irlanda e Regno Unito, per poi approdare dall’altro lato della Manica. Sono stata alla tappa di Dublino a novembre 2019 e ho voluto replicare con Amsterdam, ma fino all’ultimo minuto nessuno sapeva se il concerto si sarebbe tenuto. Solo 48 ore prima, infatti, Liam aveva abbandonato il palco ad Amburgo perché aveva completamente perso la voce. Dopo la band supporto, i fedelissimi Twisted Wheel (qui potete ascoltare la loro Strife), Liam sale sul palco e apre con Rock’n’Roll Star. La voce va e viene – in 48 ore non possono succedere miracoli – ma non sembra essere un problema. E’ il pubblico ad aiutarlo a cantare e nonostante i problemi Liam riesce a regalarci una bellissima versione di Stand by Me, inserita in scaletta contro ogni pronostico. La scaletta è un compromesso tra molti brani degli Oasis e brani tratti dall’ultimo album (che nel Regno Unito ha debuttato al numero 1) come i singoli Shockwave, The River e la meravigliosa Once. Il tour di Liam Gallagher continua in tutta Europa, qui tutte le date in aggiornamento.

17 Febbraio, Tivoli Vredenburg (Utrecht): Kaiser Chiefs, Duck Tour 2020
La band indie rock di Leeds approda al Tivoli Vredenburg di Utrecht il giorno dopo aver registrato il tutto esaurito ad Amsterdam, per una tappa del tour che porta il nome del loro ultimo disco uscito la scorsa estate, Duck. Aprono i Port Noir, svedesi e incazzati, un mix di rock, hip-hop e r&b (not my cup of tea, ma se li volete ascoltare, questa è Flawless). La scenografia è pazzesca: in fondo a destra c’è il capanno che compare anche sulla copertina di Duck, la batteria e le tastiere sono caricate in cima a due gigantesche ruote di trattore, gli amplificatori risplendono e la scritta ‘Kaiser Chiefs’ campeggia in alto a sinistra, fatta di lampadine. Ricky Wilson sale sul palco vestito di bianco (cercherò di non parlare del suo fascino perchè potrei andare avanti per ore) e apre il concerto con People know how to love one another, la prima traccia di Duck. Non ci mettiamo molto a capire che il virus di Gallagher ha colpito anche Ricky perché la sua voce, come quella di Liam, va e viene. E’ lui stesso alla fine della prima canzone ad ammetterlo e aggiunge ‘Mi dispiace, stasera niente Kaiser Chiefs’. Fa per andarsene, poi cambia idea e torna davanti l’asta del microfono. ‘Il concerto ci sarà, ma dovete aiutarmi a cantare’. Vado contro la critica olandese, che li ha praticamente distrutti, e vi dico che sebbene tecnicamente non sia stato il loro migliore live, alla fine il carisma di Ricky (che riempiva le pause tra le canzoni con l’aerosol portatile), la bravura degli altri membri della band e i brani di Duck (un album davvero niente male) hanno compensato la voce assente del frontman. Entusiasmanti durante la performance della loro hit Ruby, perfetti in Record Collection – il singolo che ha anticipato l’uscita dell’album. Andrò sicuramente a rivederli, magari non nella stagione dell’influenza. Il tour riprende in tutta Europa da aprile, qui le date.

Ora tocca a voi. Che concerti avete visto questo mese?

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

February’s gigs: Stereophonics, Liam Gallagher, Kaiser Chiefs

This month was short, intense and full of live music. Three great artists have showed up here in The Netherlands, three artists who have written some of the best pages of British rock music during the last twenty years. Could I miss them?

February 1st, AFAS Live (Amsterdam): Stereophonics, Kind Tour 2020
My tour de force started the first day of the month with Stereophonics and their gig in Amsterdam as part of the Kind Tour 2020. Kind is also the name of their last studio album, released on October 25th 2019 and anticipated in the summer by the singles Fly like an Eagle and Bust this town. The show started with a performance by Nadia Sheikh, who brought her pop voice and aggressive guitars. I had never heard of her but I quite appreciated her music (here you can listen to Flip the Coin). Even though the tour has been named after Stereophonics’ last album, the show has not been constructed around this record. The band only played a couple of songs from Kind – an album that, to be honest, cannot be compared to the previous ones. I am talking about albums like Just enough Education to Perform and Scream Above the Sounds, which are the best ones in my opinion. The venue was full and there were some technical issues which caused some problems particularly during the first part of the show. We relived the long career of the Welsh band, that started thirty years ago, through hits as Maybe Tomorrow, Have a Nice Day, Mr. Writer and of course Dakota. The band did great, but the frontman Kelly Jones is a cut above everything and everyone – he’s perfect, maybe too perfect. Stereophonics will go on with their tour in the UK, Ireland and The Netherlands. Here you can find the dates of the upcoming gigs.

February 7th, Ziggo Dome (Amsterdam): Liam Gallagher, European Tour 2019/2020
After the release of the last studio album Why me? Why not in September 2019, Liam Gallagher started promoting the record with a tour in Ireland and the UK and later moved to the other side of the English Channel. I have been to one of the Dublin gigs in November 2019 and I had a great time, so I decided to go also for the Amsterdam gig but until the very last moment no one knew if the gig was going to be on. Only 48 hours earlier, in fact, Liam had left the stage in Hamburg because his voice was completely gone. After the support band, the loyal Twisted Wheel (here you can listen to their Strife), Liam gets on stage and sings Rock’n’Roll Star. His voice comes and goes – miracles can’t happen in 48 hours – but it does not seem to be a problem. It’s the audience that helps him sing and despite the issue Liam delivers a marvelous version of Stand by Me, part of tonight’s setlist against all predictions. The setlist is a compromise between lots of songs by Oasis and songs from his last album (which debuted n.1 in the UK) such as the singles Shockwave, The River and the lovely Once. Liam Gallagher’s tour goes on in whole Europe, here you can find all the gigs.

February 17th, Tivoli Vredenburg (Utrecht): Kaiser Chiefs, Duck Tour 2020
The indie rock band from Leeds went to Tivoli Vredenburg in Utrecht the day after a sold out gig in Amsterdam, part of the tour which is named after the album they released last summer, Duck. The support band is called Port Noir, they’re swedish and seem pretty pissed off, with their mix of rock, hip-hop and r&b (not my cup of tea, but if you want to listen to them, here’s Flawless). The scenic design is awesome: on the back of the stage, on the right side, there is the same hut you can see on the cover of Duck, the drums and the keyboards have been put on a couple of giant tractor wheels, the amplifiers are all shiny and there’s ‘Kaiser Chiefs’ written with led lamps above, on the left side. Ricky Wilson jumps on stage dressed in white (I will try not to talk about how charming he is as I could go on for hours) and sings People know how to love one another, the first track from Duck. It doesn’t take long for us to realize that he must have caught the same virus Liam Gallagher caught, since his voice, just like Liam’s, comes and goes. It’s Ricky himself who admits it at the end of the first song as he announces: ‘I’m sorry, tonight no Kaiser Chiefs’. He heads to the back of the stage, then changes his mind and comes back to the microphone. ‘The gig is on, but you have to help me sing’. I will go against the Dutch critics, that completely destroyed Kaiser Chiefs, and I’ll tell you that even though this hasn’t been their best gig, there’s a couple of things that compensated for the voice problems: Ricky’s charisma (who spent the breaks between songs with his portable nebulizer), the talent of the other members of the band and the songs from Duck (a record which is absolutely not bad). They were amazing during the performance of their hit Ruby and they were absolutely perfect in Record Collection – the single that anticipated the release of Duck. I will definitely see them again in the future, maybe not in the flu season. Kaiser Chiefs will start touring again in Europe in april, here’s the dates.

Now it’s your turn. Have you been to cool concerts last month?

Did you like this post? Leave a comment and follow us on our social media. You can find us on Facebook, Instagram and Twitter.

I 5+1 documentari Netflix che dovresti assolutamente guardare (+English Version below)

Dal catalogo di Netflix abbiamo selezionato alcuni documentari che vale la pena guardare, per conoscere meglio alcuni tra gli artisti che, con la loro musica, hanno ispirato e continuano a ispirare

What Happened, Miss Simone? (2015) – La storia della tormentata Nina Simone, pianista, cantante ma soprattutto femminista e attivista per i diritti civili negli Stati Uniti. Attraverso le interviste con la figlia e gli amici di Nina, questo documentario mette in evidenza le luci e le ombre di una donna che non si è mai data per vinta, lottando strenuamente contro le ingiustizie e la segregazione razziale. Anche a costo di rimanere completamente sola.

How the Beatles Changed the World (2017) – Tom O’Dell ripercorre la storia dei Beatles, dalle origini fino allo scioglimento della band. Appena inizierete a guardarlo, non smetterete più di cantare. Un affascinante viaggio attraverso interviste e filmati di archivio che mostrano come i Beatles hanno rivoluzionato la musica e i costumi dagli anni 60 in poi.

27: Gone Too Soon (2018) – Chi non ha mai sentito parlare del “Club 27” deve assolutamente guardare questo film, dedicato a sei grandi stelle della musica: Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain e Amy Winehouse, tutti scomparsi a 27 anni a causa dell’abuso di alcol e droghe. E a proposito di Janis Joplin, vi segnaliamo anche il documentario sulla sua vita: Janis, Little Girl Blue (2015) ripercorre l’infanzia e l’adolescenza della ragazza di Port Arthur. Attraverso rare interviste e materiale d’archivio vengono alla luce la fragilità e la forza di quella che è stata sicuramente la prima donna rocker della storia della musica mondiale. Imperdibile.

Gaga: Five Foot Two (2017) – Se siete tra coloro che hanno bisogno di ispirazione continua, questo è quello che fa per voi. Lady Gaga svela se stessa attraverso un racconto intimo, tra problemi fisici ed emotivi e impegni musicali, come la preparazione dello show di intervallo del Super Bowl.

Whitney: Can I Be me (2016) – Cosa sarebbe stata la musica pop senza la voce di Whitney Houston? Il regista Nick Broomfield ripercorre la vita dell’ amatissima stella del pop attraverso il racconto di amici, parenti e della stessa Whitney: dagli esordi nel coro gospel parrocchiale alla battaglia contro la dipendenza, fino alla sua sconcertante morte, avvenuta nel 2012.

Ti è piaciuta questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.

The 5+1 Netflix documentaries that you should watch

What Happened, Miss Simone? (2015) – Nina Simone’s story: pianist, singer but, above all, feminist and civil rights activist in the United States. Through interviews with Nina’s daughter and her friends, this documentary shows the lights and the shadows of a woman who has never given up, fighting against injustice and racial segregation. Even at the cost of being completely alone.

How the Beatles Changed the World (2017) – Tom O’Dell traces the Beatles’ story, from the origins to the end. As soon as you start watching, you immediately start singing. A fascinating journey through interviews and archive footage that shows how the Beatles changed music and customs from the 60s onwards.

27: Gone Too Soon (2018) – If you’re somebody who has never heard of “Club 27” you should watch this movie about six great music stars: Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain e Amy Winehouse, all of whom disappeared at age 27 due to alcohol and drug abuse. And speaking about Janis Joplin, we also point out the documentary about her life: Janis, Little Girl Blue (2015) traces the childhood and the adolescence of the girl from Port Arthur. Through rare interviews and archival material we can perceive the fragility and the strength of a woman who has certainly been the first female rocker in the world. Unmissable!

Gaga: Five Foot Two (2017) – If you are among those who need continuous inspirations, this movie is for you. Lady Gaga reveals herself through an intimate story, among physical and emotional problems and musical commitments, such as the preparation of the Super Bowl interval show.

Whitney: Can I Be me (2016) – What would Pop Music have been, without Whithney’s voice? The director Nick Broomfield traces the life of the beloved Popstar, through the stories of friends, relatives and Whitney herself: from the beginning in the Gospel Choir to the battle against drugs abuse, until her death, in 2012.

Did you like this article? Leave a comment and follow us on our social media. Find us on Facebook, Instagram e Twitter.